Amennula: “'U mari i menzu”

Il disco d'esordio del duo siciliano attraversa il Mediterraneo come luogo di incontro, conflitto e trasformazione, intrecciando tradizione popolare, blues delle radici ed elettronica contemporanea

«In un'epoca che sembra voler rendere tutto uguale, abbiamo scelto di partire dal luogo in cui teniamo a mollo i nostri piedi: il Mediterraneo. Da qui arrivano storie, suoni, lingue e contraddizioni che continuano a trasformarsi. Questo disco è il nostro modo di raccontarle.» Amennula

“'U mari i menzu” è il disco d'esordio degli Amennula, il progetto nato dall'incontro tra Daniele Grasso ed Elisa Milazzo. Un lavoro che prende forma nel cuore del Mediterraneo e lo osserva come spazio di passaggio, mescolanza e trasformazione.

Attraverso dodici brani cantati prevalentemente in siciliano, il duo costruisce un racconto che parte dalla propria terra per interrogare questioni che appartengono a tutti. Le migrazioni, il senso di appartenenza, la difficoltà di prendere posizione, le relazioni che finiscono, la forza di resistere, la paura del presente e il bisogno di conservare uno spazio umano in un mondo sempre più uniformato diventano i temi che attraversano il disco.

"'U mari i menzu" nasce da una convinzione semplice: le culture non sono mai immobili. La Sicilia degli Amennula è un ponte e un confine insieme, un luogo attraversato nei secoli da popoli, lingue e influenze differenti che continuano ancora oggi a dialogare tra loro. Per questo motivo il disco evita qualsiasi approccio filologico alla tradizione e sceglie invece di trattarla come una materia viva, capace di accogliere nuove forme e nuovi linguaggi.

Sul piano musicale convivono folk arcaico, canti popolari, blues delle radici, suggestioni nordafricane, ritmi balcanici ed elettronica contemporanea. Molti brani nascono dall'essenzialità di voce, chitarra e tamburo, mentre altri si aprono a interventi elettronici, loop, droni e soluzioni ritmiche più moderne. È un suono volutamente umano, costruito attorno all'imperfezione, all'urgenza espressiva e alla forza dell'interpretazione.

I singoli “Tinnairi (loop di sale)” e “Semu a mari 'mbare”, pubblicati nei mesi precedenti, hanno anticipato due anime fondamentali del progetto: da una parte il tema delle partenze e delle migrazioni, dall'altra la necessità di reagire con ironia e consapevolezza alle difficoltà del presente. Nel disco questi elementi si allargano e trovano una dimensione più ampia, diventando parte di una riflessione che attraversa l'intera opera.

TRACK BY TRACK

“'U muru” – Il peso di chi sostiene gli altri senza concedersi lo spazio per esprimere il proprio dolore.

“Fimmina comu a mia” – Le ferite lasciate dalle relazioni e la forza necessaria per rialzarsi senza perdere sé stessi.

“Idda” – Un invito a resistere contro chi pretende di decidere il nostro posto nel mondo.

“'U cielu è niuru” – La sensazione di vivere sotto eventi più grandi di noi, mentre combattiamo le nostre battaglie quotidiane.

“Binidici” – Una preghiera antica che chiede non privilegi o fortuna, ma giorni più leggeri e la capacità di essere migliori.

“Ancestrale” – Quei rari istanti in cui il tempo sembra fermarsi e il passato torna a parlarci.

“Tinni vai” – Il momento in cui una relazione ha esaurito il proprio percorso e bisogna trovare il coraggio di lasciarla andare.

“A chi Diu criri” – Una presa di posizione contro ogni forma di discriminazione e giudizio basato sulle differenze.

“Semu a mari 'mbari” – L'ironia popolare come risposta a un presente sempre più difficile e disorientante.

“Scegli” – Un richiamo alla responsabilità individuale di prendere posizione di fronte ai conflitti e alle ingiustizie.

“Marock'n'roll” – Un incontro tra geografie, culture e linguaggi che sintetizza lo spirito meticcio del progetto.

“Si ti piacissi” – Uno sguardo sulle fragilità e sui desideri che accompagnano ogni relazione umana.

Etichetta: Dcave Record

Amennula è il progetto dei musicisti siciliani Daniele Grasso ed Elisa Milazzo, nato dall'incontro tra la montagna e il mare della regione. La loro musica unisce corde antiche, percussioni, droni, piccoli synth e loop vocali in un linguaggio che attraversa tradizione popolare, blues delle radici, minimalismo elettronico e suggestioni provenienti dalle culture che nei secoli hanno attraversato il Mediterraneo.

Elisa porta nel progetto la ricerca sulla musica popolare siciliana e sui canti religiosi dell'isola, insieme a un interesse per le forme musicali contemporanee. Daniele arriva da un lungo percorso come musicista, produttore e sound engineer, caratterizzato da una costante attenzione alle contaminazioni mediterranee.

Dopo l'esordio con i singoli “Tinnairi (loop di sale)” e “Semu a mari 'mbare”, gli Amennula pubblicano il primo album “'U mari i menzu”, un lavoro che mette al centro il Mediterraneo come luogo fisico, culturale e simbolico di incontro e trasformazione.

Edizioni: Digital Noises

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Mauro Carrero: “Tra questi monti”

Il primo singolo estratto dal nuovo album del cantautore piemontese è un omaggio alle Alpi Liguri e al legame profondo tra identità, natura e memoria

«Ci sono luoghi che continuano a chiamarti anche quando vivi altrove. “Tra questi monti” nasce dal rapporto con le montagne in cui sono cresciuto e dalla sensazione che il camminare nella natura possa ancora insegnarci qualcosa su noi stessi.» Mauro Carrero

“Tra questi monti” è il nuovo singolo di Mauro Carrero e dà il titolo al suo quinto album, in uscita il 13 novembre. Il brano nasce da un luogo preciso: le montagne delle Alpi Liguri che circondano Garessio, in Alta Valle Tanaro, il paese al quale l'autore è legato da profonde radici familiari e affettive.

La canzone si sviluppa come una contemplazione della natura e del paesaggio, ma anche come una riflessione sul rapporto tra l'essere umano e il luogo da cui proviene. I boschi, i sentieri e le montagne diventano così molto più di uno scenario naturale: rappresentano uno spazio di appartenenza, memoria e ricerca interiore.

Al centro del brano emerge l'idea del cammino come esperienza trasformativa. Attraversare la natura significa riconnettersi a una dimensione più essenziale dell'esistenza, lontana dal rumore e dalla velocità del presente. In questa prospettiva “Tra questi monti” assume anche il valore di una dichiarazione d'amore verso il territorio e di un invito a riscoprirne la fragilità e la ricchezza.

Dal punto di vista musicale, il brano prende la forma di una ballata dominata dal pianoforte e dagli archi. La scrittura si muove nel solco della canzone d'autore, mentre le atmosfere evocano sensibilità vicine ad artisti come Van Morrison, Nick Cave e Nick Drake. Il risultato è una composizione raccolta e intensa che accompagna il carattere contemplativo del testo senza rinunciare alla forza emotiva del racconto.

“Tra questi monti” introduce un album interamente dedicato ai luoghi, alle storie e alle persone che popolano il territorio tra le Langhe e le Alpi Liguri. Un lavoro che intreccia memoria personale, storia collettiva e osservazione del paesaggio, restituendo una geografia intima che diventa al tempo stesso universale.

Il brano è scritto e composto da Mauro Carrero e prodotto insieme a Beppe Rosso e Mauro Fede. Carrero suona voce, chitarra e basso, mentre Mauro Fede firma il pianoforte, la batteria e gli arrangiamenti degli archi.

Mauro Carrero, nato nel 1978, dopo l'infanzia trascorsa a Torino è cresciuto a Garessio (CN) e in seguito si è trasferito nelle Langhe, dove vive tuttora. Ha studiato chitarra e pianoforte e si è laureato in Lettere, approfondendo discipline come Storia della Musica, Popular Music ed Etnomusicologia.

Dopo le prime esperienze in diverse formazioni rock, ha sviluppato un percorso personale nell'ambito della canzone d'autore. Nel 2017 pubblica “Jose e Davide – Un racconto in nove canzoni liberamente ispirate alla sceneggiatura cinematografica di Beppe Fenoglio”. Seguono “Marelanga” (2019), “Nagìra” (2022) e “Brindisi alla gioventù” (2024).

La sua scrittura trae costante ispirazione dalla relazione tra biografia, territorio e memoria collettiva, intrecciando racconti personali, vicende storiche e paesaggi del Piemonte.

“Tra questi monti”, in radio dal 30 ottobre 2026, è la title track del suo quinto album in studio, in uscita il 13 novembre.

Etichetta: iMD – marelanga

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Andrea Gherpelli: “Si soffre troppo”

Il nuovo singolo dell’artista emiliano trasforma la sofferenza in una riflessione ironica sul tempo vissuto e sulla necessità di imparare dalle proprie fragilità

«Non ho mai pensato che la sofferenza dovesse essere per forza necessaria per un artista, ma a quanto pare sembrerebbe esserlo. Ogni volta che faccio il pane, sembra assurdo, la sofferenza che viviamo la rivedo dentro la lievitazione che trasforma l’impasto, nella fermentazione del vino e nella stagionatura di un buon formaggio. Stagionatura che deve essere seguita con mestiere, altrimenti rischi che ti fa solo invecchiare, ma non migliorare. Insomma se vuoi stagionare tocca anche soffrire! Con "Si soffre troppo" canto lo struggimento dell'artista e la benedizione che riceve chi si mette a scanzonare i terremoti emotivi e quei sussulti tellurici che capitano dentro, e che stan dietro a certe canzoni scritte nel tentativo, spesso vano, di migliorare il mondo» Andrea Gherpelli

“Si soffre troppo” è il nuovo singolo di Andrea Gherpelli, una canzone che affronta uno dei temi più universali dell’esperienza umana senza cadere nella retorica del dolore né in quella della redenzione. Il brano osserva il tema della sofferenza come una presenza

inevitabile; soprattutto nel percorso di un'artista è qualcosa che accompagna il viaggio di ogni giorno e che, lo si voglia oppure no, alla fine ha il beneficio di modellare il carattere.

L’idea nasce dal percorso personale e da immagini legate ad eventi reali. Questo soffrire, ha riscontro non solo nel nostro vivere ma è nascosto anche nel mondo contadino profondamente radicato nell’esperienza dell’artista. Lievitazioni, fermentazioni e stagionature, ottime metafore del tempo necessario alla trasformazione: come un impasto che cresce o un formaggio che prende sapore, anche gli esseri umani se attraversano il tempo con lentezza lasciano il segno e producono cambiamenti. 

“Si soffre troppo” affronta questo tema con una voluta ironia, osservando fragilità e debolezze quotidiane con lo stesso spirito delle conversazioni nelle osterie di paese, dove si ride anche delle difficoltà più ostinate. Dietro il tono leggero emerge però una riflessione più profonda: la sofferenza, inevitabile e spesso spiazzante, può diventare parte di un percorso di crescita, se impariamo a lasciarle il tempo di compiere il proprio lavoro.

Musicalmente il brano prosegue il percorso intrapreso da Gherpelli nel suo progetto discografico, unendo scrittura cantautorale e sensibilità narrativa. La leggerezza dell’interpretazione convive con immagini dense di significato, restituendo una canzone che riesce a essere al tempo stesso malinconica e vitale.

“Si soffre troppo” si inserisce nel percorso del primo album di Andrea Gherpelli, in uscita nella primavera del 2027. Il progetto nasce dall’esigenza personale di riprendersi quella forma espressiva musicale già percorsa in passato col teatro canzone  e grazie all’incontro con Fabio Ferraboschi, autore e produttore emiliano, cresciuto come Gherpelli nelle campagne di Correggio. I brani dopo lunga gestazione sono stati registrati nell'autunno/inverno 2025, prodotti e arrangiati dallo stesso Ferraboschi al Busker Recording Studio di Rubiera (RE).

Andrea Gherpelli nasce il 15 aprile 1975 a Correggio, in una famiglia di contadini abituati a trasformare il lavoro in gesto creativo. La sua formazione artistica comincia presto: studia chitarra con Bobby Bartolucci, bassista degli OraZero, e da autodidatta esplora batteria e pianoforte. Parallelamente lavora nei campi accanto al padre, capocomico di compagnia, salendo per la prima volta su piccoli palchi di paese dove si mescolano teatro popolare, musica e vita quotidiana.

Durante gli studi coltiva una doppia tensione: da un lato la passione per la natura, la matematica e le scienze, che lo porta a iscriversi a Ingegneria a Bologna; dall’altro il richiamo costante del palcoscenico. Entra nella compagnia teatrale universitaria e diventa batterista degli Agitazione, band hardcore con cui registra demo tape e suona nei club e nei centri sociali dell’Emilia. Il teatro torna presto a cercarlo: è mimo‑danzatore al Teatro Valli di Reggio Emilia nel “Bolero” di Béjart, nella "Norma" di Bellini e allo Sferisterio di Macerata nell’”Aida” diretta da Hugo De Ana.

Dopo la laurea si trasferisce a Roma, dove insegna matematica come supplente nelle scuole statali e avvia la sua formazione artistica professionale. Vince due borse di studio, al CAMPUS di Cinecittà diretto da Maurizio Costanzo e all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico”. Nella capitale muove i primi passi sui set televisivi e costruisce un percorso personale nel teatro‑canzone con “Parti di me”, spettacolo replicato centinaia di volte. Con Francesco Forni e Ilaria Graziano crea “La Notte prima della Domestica”, un format musical‑teatrale che anticipa gli house concert entrando nei salotti delle case romane.

Nel tempo lavora con registi e attori come Elio Germano, Pierfrancesco Favino, Ficarra e Picone, Gigi Proietti, Massimo Popolizio,  Andrea Porporati, Riccardo Donna, Giacomo Campiotti, Daniele Vicari, Giorgio Diritti, Marco Bellocchio, Dario  Argento, Donato Carrisi, Roberto Andò, partecipando a produzioni cinematografiche e televisive di rilievo. È protagonista del format “Wild Teens – Contadini in erba” su Canale NOVE e interpreta Gian Lorenzo Bernini nella docu‑fiction “The Power of Art" per la BBC.

Dal 2021 il grande pubblico lo conosce come il dottor Mosca, capo chirurgo della serie RAI “Cuori”, ruolo che interpreta nelle tre stagioni andate in onda su Rai1 e disponibili su Netflix. Ha recitato inoltre in altre serie tv di successo tra cui “Don Matteo”, “Che Dio ci aiuti”, “L'alligatore”, “La ricetta della felicità".

Parallelamente al percorso attoriale, Gherpelli sviluppa un progetto musicale pubblicando il singolo “Mi troverai”, in radio dall’8 maggio 2026. Il video ufficiale del singolo, realizzato con le illustrazioni di Roberto Ballestracci, è stato pubblicato in anteprima sul portale di Tgcom24 l’8 agosto 2026. Il 30 ottobre pubblica il singolo “Si soffre troppo”, nuovo tassello dell’album d’esordio in uscita nella primavera del 2027. Il disco è  composto da 8 brani scritti da Gherpelli insieme a Fabio Ferraboschi, già coautore per Cristiano De Andrè.

Etichetta: Incipit Records

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Giorgio Risi: “Viaggiatori”

Il nuovo singolo del musicista e autore torinese è una riflessione sul viaggio come condizione dell’esistenza e sulla libertà di attraversare la vita senza pretese di controllo

«Ho sempre considerato il viaggio una metafora della condizione umana. Siamo esseri in continuo movimento, sospesi tra ciò che conosciamo e ciò che ancora ci sfugge. In fondo, siamo tutti viaggiatori. E forse il significato più autentico del viaggio non è arrivare, ma imparare a esserci.» Giorgio Risi

“Viaggiatori” è il nuovo singolo di Giorgio Risi e rappresenta la porta d’ingresso a “Confini”, il concept album pubblicato nel 2026. Il brano nasce da una riflessione sulla natura transitoria dell’esistenza e sulla possibilità di attraversare il tempo accettandone l’incertezza.

Al centro della canzone c’è l’idea che la vita sia un cammino continuo, non necessariamente orientato verso una meta definitiva. L’essere umano procede tra desiderio di appartenenza e bisogno di libertà, tra ciò che comprende e ciò che rimane misterioso. In questo percorso l’amore assume un ruolo particolare: non come possesso o destinazione finale, ma come presenza capace di accompagnare senza limitare.

Le immagini che attraversano il testo – l’acqua, il respiro, il libro aperto, il funambolo – diventano simboli della fragilità e della capacità umana di abitare l’incertezza. “Viaggiatori” suggerisce che il significato dell’esistenza non risieda necessariamente in ciò che dobbiamo raggiungere, ma nella consapevolezza di ciò che stiamo vivendo.

Dal punto di vista musicale, il brano unisce la sensibilità della canzone d’autore a una ricerca sonora che guarda all’elettronica, alle atmosfere ambient e alla dimensione cinematografica. La parola rimane il centro del racconto, sostenuta da tessiture sonore avvolgenti che amplificano il tema del viaggio, dell’attesa e della trasformazione.

Scelto come apertura di “Confini”, il brano introduce i temi fondamentali dell’intero progetto: i confini invisibili che attraversano la coscienza, il tempo, le relazioni e la percezione che abbiamo di noi stessi.

Giorgio Risi è un pubblicitario, autore e musicista torinese. Il suo percorso artistico e professionale si sviluppa attraverso oltre quarant’anni di esperienze nel mondo della comunicazione, della musica e della produzione audiovisiva.

Dopo gli esordi nel settore pubblicitario presso Armando Testa, nel 1996 fonda la Giorgio Risi S.r.l., società di produzione audiovisiva con sede a Torino. Parallelamente porta avanti la propria attività musicale, iniziata alla fine degli anni Settanta attraverso l’interesse per il folk, la musica celtica e la sperimentazione elettronica.

Nel corso degli anni pubblica gli album “Lucrezia”, “Amici, Compagni e Spettatori”, “Frammenti” e “Oltre il vento”, sviluppando un percorso che attraversa canzone d’autore, pop rock, world music e ricerca elettronica.

Accanto alla musica coltiva l’interesse per la filosofia e la scrittura, temi che confluiscono anche nel libro di prossima pubblicazione “Il peso leggero dei pensieri”, in uscita per Gruppo Albatros Il Filo.

Nel 2026 pubblica “Confini”, un concept album che rappresenta una sintesi delle sue riflessioni sull’essere umano, sulla memoria, sul tempo e sul continuo dialogo tra limite e trasformazione. Il primo singolo estratto dall’album è “Viaggiatori”, in radio dal 30 ottobre 2026.

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Luciano D'Abbruzzo: “Davanti la chiesa”

 Il nuovo singolo del cantautore laziale, milanese d’adozione, racconta una provincia sospesa tra realtà e immaginazione, dove le decisioni più importanti continuano a essere prese lontano dagli sguardi

“Davanti la chiesa” è il nuovo singolo di Luciano D'Abbruzzo, uno dei brani che compongono l'universo narrativo dell’album “Padre”. La canzone descrive un sagrato cittadino immerso in una dimensione quasi cinematografica, dove una piazza vuota, le persiane socchiuse e il silenzio delle strade diventano gli elementi di un racconto sospeso tra osservazione sociale e immaginazione poetica.

Il brano si sviluppa come una passeggiata notturna in un'Italia di provincia attraversata da atmosfere felliniane. Dietro la quiete apparente si muovono personaggi, segreti e dinamiche che restano invisibili a molti. “Davanti la chiesa” osserva quel confine sottile tra ciò che viene mostrato e ciò che rimane nascosto, tra le storie che si raccontano in pubblico e le decisioni che continuano a maturare a porte chiuse.

Il risultato è una canzone che procede in equilibrio tra ironia e malinconia, restituendo uno sguardo affettuoso ma lucido sulla provincia italiana e sui suoi rituali quotidiani. La realtà viene filtrata attraverso immagini dal carattere visionario che trasformano il paese in una sorta di piccolo teatro umano, popolato da figure che si osservano, si giudicano e si sfiorano senza mai incontrarsi davvero.

Sul piano musicale il brano si distingue per una produzione raffinata firmata da Taketo Gohara, che guida una formazione dal respiro orchestrale. La presenza della tromba di Davide “Billa” Brambilla contribuisce a costruire un'atmosfera che richiama un circo di quartiere, un luogo dove ci si perde e ci si ritrova nell'arco di una sola notte.

Anche il videoclip prosegue questa visione. Attraverso il montaggio delle immagini della sfilata dei carri allegorici del Carnevale di Viareggio, il racconto si popola di figure e simboli che amplificano il carattere surreale del brano, trasformando la cronaca del presente in una rappresentazione dai colori sempre più scuri.

La canzone è stata registrata e mixata al Blap Studio di Milano da Taketo Gohara, mentre il mastering porta la firma di Giovanni Versari presso La Maestà Mastering Studio. La produzione è di Giuseppe Mangiaracina per Ma.Fi – Roma, che nel brano suona anche il basso. Completano la formazione Luciano D’Abbruzzo al pianoforte, organo e voce, Alessandro De Berti alle chitarre e Niccolò Fornaio alla batteria.

Luciano D’Abbruzzo è un cantautore e artista poliedrico che vive e lavora a Milano, mantenendo un legame profondo con le sue radici laziali e ciociare. La sua formazione parte dal Conservatorio di Frosinone, dove studia organo e composizione, per poi svilupparsi in un percorso che unisce musica, scrittura e ricerca espressiva.

La sua storia artistica attraversa progetti diversi: dall’esordio rock-cantautorale con la band M.I.G. e l’album “N€uro” (EMI, 2001) al più recente “Come un’arancia in Norvegia” (2013). Nel 2003 pubblica il singolo “Con il vento Pace”, dedicato ai giovani europei, segnando una prima attenzione ai temi sociali. 

Parallelamente alla musica, D’Abbruzzo coltiva la scrittura: le sue poesie sono state selezionate per l’Antologia 2017 del Festival Mondiale della Poesia “Mihai Eminescu” e hanno ottenuto riconoscimenti come il secondo premio al concorso “Parole in bottiglia” del Passpartout Festival di Asti. Il progetto multimediale Suoni e rumori de “Il guardiano del bosco” (2020), pubblicato per RCA e distribuito Sony Music, unisce libro e album, confermando una poetica che attraversa linguaggi diversi.

Luciano D'Abbruzzo ha calcato palchi importanti. Oltre a vincere il Premio De André nel 2016 con il brano “L’ultima festa”, e ad aggiudicarsi la fase televisiva della quindicesima edizione del Premio Città di Recanati (oggi Musicultura), il suo curriculum live vanta performance prestigiose: ha avuto l'onore di cantare per ben due volte per il Papa e ha partecipato al celebre concerto di Bologna con artisti del calibro di Bob Dylan, Lucio Dalla, Adriano Celentano, Niccolò Fabi e altri grandi nomi. Con la sua band, M.I.G. si è esibito al Concerto del Primo Maggio a Roma, voluto e invitato da Sergio Bardotti; ha suonato due volte allo Stadio Olimpico (dove ha anche aperto un concerto di Ligabue) e ha aperto i concerti dei leggendari Sonic Youth a Roma e di artisti italiani come Fabio Concato, Antonella Ruggiero, Nino Buonocore e la cantante brasiliana Rosalia De Souza.

Ha da poco pubblicato per Edizioni Underground? un libro di poesie dal titolo “Madre” e un Lp dal titolo “Padre”, album  registrato alle Officine Meccaniche Milano da Taketo Gohara e Niccolò Fornabaio. Di Gohara anche il Mix, mentre il mastering è stato curato da Giovanni Versari presso La Maestà Mastering Studio. Continua inoltre a lavorare su progetti musicali e collettivi, tra cui l’ensemble BattiaOOttanta, omaggio al maestro siciliano insieme a numerosi artisti della scena musicale milanese.

Il 5 giugno 2026 pubblica il singolo “Porto Venere al Mare”, che apre una nuova fase del suo percorso artistico. Il 30 ottobre arriva in radio il nuovo singolo “Davanti la chiesa”.

Etichetta: Pensieri Sbagliati

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Salvo Anello: “Altra categoria”

Il nuovo singolo del cantautore palermitano è una riflessione sull'identità degli artisti e sul loro rapporto contraddittorio con la società

«“Altra categoria” non parla di una razza eletta o di una superiorità morale. Parla di una condizione: quella di chi continua a trasformare in musica, parole o immagini ciò che gli altri possono permettersi di lasciare indistinto.» Salvo Anello

“Altra categoria” è il nuovo singolo di Salvo Anello, title track dell'album omonimo in uscita il 13 novembre 2026. Un brano che nasce da un'atmosfera notturna e urbana e che osserva da vicino la figura dell'artista, sospesa tra fascinazione e diffidenza.

Fin dai primi versi, il brano utilizza il linguaggio della differenza per riflettere sul modo in cui la creatività viene percepita dalla società. L’“altra categoria” del titolo è quella di chi vive spinto dalla necessità di creare, una comunità osservata con un misto di diffidenza e fascinazione, sospesa tra marginalità e riconoscimento.

Ma Salvo Anello evita qualsiasi idealizzazione romantica dell’artista. “Altra categoria” racconta una differenza che non coincide con una superiorità: chi crea continua a muoversi in una zona incerta, esposto al giudizio e all’incomprensione, ma resta profondamente umano. La musica, le parole e l’arte diventano così un tentativo di dare forma a ciò che altrimenti resterebbe confuso o inesprimibile.

Dal punto di vista musicale, il brano abbandona le atmosfere più intime di “Vita e passione” per assumere una dimensione più corale e propulsiva. Il ritornello iterativo, costruito attorno alla ripetizione di “Noi siamo altra categoria”, acquisisce il carattere di una dichiarazione collettiva senza trasformarsi in un vero e proprio inno. L'arrangiamento combina l'impianto della canzone d'autore con aperture orchestrali e una sensibilità teatrale che accompagna il continuo passaggio tra racconto individuale e voce collettiva.

Ne emerge una canzone che difende il valore della differenza senza trasformarla in privilegio e che osserva con lucidità tanto il mondo dell'arte quanto quello che lo circonda. Un brano che parla della necessità di continuare a creare, anche quando creare non offre risposte definitive.

Salvo Anello nasce a Palermo nel 1990 e costruisce negli anni un percorso nel quale la musica rimane il nucleo centrale, affiancata da cinema, teatro e produzione indipendente. La formazione comincia al Conservatorio di Palermo con lo studio del pianoforte, prosegue con la chitarra e si amplia alla composizione, definendo una sensibilità che unisce scrittura, arrangiamento e ricerca timbrica.

Le prime esperienze discografiche arrivano nella seconda metà degli anni Duemila, con la formazione progressive rock Illusione Sonora e con una serie di lavori autoriali pubblicati tra il 2009 e il 2012 (“L’Identico Canto”, “Nella mente di Matteo il matto”, “Alla corte del Re”). Già in questi progetti emerge una caratteristica che accompagnerà tutta la sua produzione: la tendenza a concepire il disco come opera narrativa, costruita intorno a personaggi, simboli e percorsi interiori.

Dopo un periodo dedicato alla produzione indipendente e alla sperimentazione fra linguaggi diversi, nel 2019 Anello torna alla discografia con “Non per rancore ma per gioco”, pubblicato da Dirty Queen Record. Il disco segna una svolta verso una scrittura più vicina alla canzone d’autore italiana, arricchita da elementi folk, rock e jazz. Alla registrazione partecipano diversi musicisti riuniti nella Salvo Anello’s Mini Orchestra, con interventi di Francesco Moneti dei Modena City Ramblers. Il progetto porta Anello alle finali nazionali della 33ª edizione di Sanremo Rock, una delle tappe pubbliche più rilevanti del suo percorso.

Parallelamente prosegue l’attività live, sia in solo sia con formazioni diverse, fra cui gli Alan’s Breakfast, gruppo palermitano dedicato alla musica dei Pink Floyd, che gli permette di approfondire un lavoro più specifico sulle sonorità, sulla psichedelia e sulle dinamiche di ensemble.

Tra settembre e ottobre 2026 pubblica i singoli “Vita e passione” e “Altra categoria”, quest’ultima title track del quinto album di inediti in uscita il 13 novembre dello stesso anno.

Etichetta: Dirty Queen Records

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