Luciano D'Abbruzzo: “Davanti la chiesa”

 Il nuovo singolo del cantautore laziale, milanese d’adozione, racconta una provincia sospesa tra realtà e immaginazione, dove le decisioni più importanti continuano a essere prese lontano dagli sguardi

“Davanti la chiesa” è il nuovo singolo di Luciano D'Abbruzzo, uno dei brani che compongono l'universo narrativo dell’album “Padre”. La canzone descrive un sagrato cittadino immerso in una dimensione quasi cinematografica, dove una piazza vuota, le persiane socchiuse e il silenzio delle strade diventano gli elementi di un racconto sospeso tra osservazione sociale e immaginazione poetica.

Il brano si sviluppa come una passeggiata notturna in un'Italia di provincia attraversata da atmosfere felliniane. Dietro la quiete apparente si muovono personaggi, segreti e dinamiche che restano invisibili a molti. “Davanti la chiesa” osserva quel confine sottile tra ciò che viene mostrato e ciò che rimane nascosto, tra le storie che si raccontano in pubblico e le decisioni che continuano a maturare a porte chiuse.

Il risultato è una canzone che procede in equilibrio tra ironia e malinconia, restituendo uno sguardo affettuoso ma lucido sulla provincia italiana e sui suoi rituali quotidiani. La realtà viene filtrata attraverso immagini dal carattere visionario che trasformano il paese in una sorta di piccolo teatro umano, popolato da figure che si osservano, si giudicano e si sfiorano senza mai incontrarsi davvero.

Sul piano musicale il brano si distingue per una produzione raffinata firmata da Taketo Gohara, che guida una formazione dal respiro orchestrale. La presenza della tromba di Davide “Billa” Brambilla contribuisce a costruire un'atmosfera che richiama un circo di quartiere, un luogo dove ci si perde e ci si ritrova nell'arco di una sola notte.

Anche il videoclip prosegue questa visione. Attraverso il montaggio delle immagini della sfilata dei carri allegorici del Carnevale di Viareggio, il racconto si popola di figure e simboli che amplificano il carattere surreale del brano, trasformando la cronaca del presente in una rappresentazione dai colori sempre più scuri.

La canzone è stata registrata e mixata al Blap Studio di Milano da Taketo Gohara, mentre il mastering porta la firma di Giovanni Versari presso La Maestà Mastering Studio. La produzione è di Giuseppe Mangiaracina per Ma.Fi – Roma, che nel brano suona anche il basso. Completano la formazione Luciano D’Abbruzzo al pianoforte, organo e voce, Alessandro De Berti alle chitarre e Niccolò Fornaio alla batteria.

Luciano D’Abbruzzo è un cantautore e artista poliedrico che vive e lavora a Milano, mantenendo un legame profondo con le sue radici laziali e ciociare. La sua formazione parte dal Conservatorio di Frosinone, dove studia organo e composizione, per poi svilupparsi in un percorso che unisce musica, scrittura e ricerca espressiva.

La sua storia artistica attraversa progetti diversi: dall’esordio rock-cantautorale con la band M.I.G. e l’album “N€uro” (EMI, 2001) al più recente “Come un’arancia in Norvegia” (2013). Nel 2003 pubblica il singolo “Con il vento Pace”, dedicato ai giovani europei, segnando una prima attenzione ai temi sociali. 

Parallelamente alla musica, D’Abbruzzo coltiva la scrittura: le sue poesie sono state selezionate per l’Antologia 2017 del Festival Mondiale della Poesia “Mihai Eminescu” e hanno ottenuto riconoscimenti come il secondo premio al concorso “Parole in bottiglia” del Passpartout Festival di Asti. Il progetto multimediale Suoni e rumori de “Il guardiano del bosco” (2020), pubblicato per RCA e distribuito Sony Music, unisce libro e album, confermando una poetica che attraversa linguaggi diversi.

Luciano D'Abbruzzo ha calcato palchi importanti. Oltre a vincere il Premio De André nel 2016 con il brano “L’ultima festa”, e ad aggiudicarsi la fase televisiva della quindicesima edizione del Premio Città di Recanati (oggi Musicultura), il suo curriculum live vanta performance prestigiose: ha avuto l'onore di cantare per ben due volte per il Papa e ha partecipato al celebre concerto di Bologna con artisti del calibro di Bob Dylan, Lucio Dalla, Adriano Celentano, Niccolò Fabi e altri grandi nomi. Con la sua band, M.I.G. si è esibito al Concerto del Primo Maggio a Roma, voluto e invitato da Sergio Bardotti; ha suonato due volte allo Stadio Olimpico (dove ha anche aperto un concerto di Ligabue) e ha aperto i concerti dei leggendari Sonic Youth a Roma e di artisti italiani come Fabio Concato, Antonella Ruggiero, Nino Buonocore e la cantante brasiliana Rosalia De Souza.

Ha da poco pubblicato per Edizioni Underground? un libro di poesie dal titolo “Madre” e un Lp dal titolo “Padre”, album  registrato alle Officine Meccaniche Milano da Taketo Gohara e Niccolò Fornabaio. Di Gohara anche il Mix, mentre il mastering è stato curato da Giovanni Versari presso La Maestà Mastering Studio. Continua inoltre a lavorare su progetti musicali e collettivi, tra cui l’ensemble BattiaOOttanta, omaggio al maestro siciliano insieme a numerosi artisti della scena musicale milanese.

Il 5 giugno 2026 pubblica il singolo “Porto Venere al Mare”, che apre una nuova fase del suo percorso artistico. Il 30 ottobre arriva in radio il nuovo singolo “Davanti la chiesa”.

Etichetta: Pensieri Sbagliati

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Salvo Anello: “Altra categoria”

Il nuovo singolo del cantautore palermitano è una riflessione sull'identità degli artisti e sul loro rapporto contraddittorio con la società

«“Altra categoria” non parla di una razza eletta o di una superiorità morale. Parla di una condizione: quella di chi continua a trasformare in musica, parole o immagini ciò che gli altri possono permettersi di lasciare indistinto.» Salvo Anello

“Altra categoria” è il nuovo singolo di Salvo Anello, title track dell'album omonimo in uscita il 13 novembre 2026. Un brano che nasce da un'atmosfera notturna e urbana e che osserva da vicino la figura dell'artista, sospesa tra fascinazione e diffidenza.

Fin dai primi versi, il brano utilizza il linguaggio della differenza per riflettere sul modo in cui la creatività viene percepita dalla società. L’“altra categoria” del titolo è quella di chi vive spinto dalla necessità di creare, una comunità osservata con un misto di diffidenza e fascinazione, sospesa tra marginalità e riconoscimento.

Ma Salvo Anello evita qualsiasi idealizzazione romantica dell’artista. “Altra categoria” racconta una differenza che non coincide con una superiorità: chi crea continua a muoversi in una zona incerta, esposto al giudizio e all’incomprensione, ma resta profondamente umano. La musica, le parole e l’arte diventano così un tentativo di dare forma a ciò che altrimenti resterebbe confuso o inesprimibile.

Dal punto di vista musicale, il brano abbandona le atmosfere più intime di “Vita e passione” per assumere una dimensione più corale e propulsiva. Il ritornello iterativo, costruito attorno alla ripetizione di “Noi siamo altra categoria”, acquisisce il carattere di una dichiarazione collettiva senza trasformarsi in un vero e proprio inno. L'arrangiamento combina l'impianto della canzone d'autore con aperture orchestrali e una sensibilità teatrale che accompagna il continuo passaggio tra racconto individuale e voce collettiva.

Ne emerge una canzone che difende il valore della differenza senza trasformarla in privilegio e che osserva con lucidità tanto il mondo dell'arte quanto quello che lo circonda. Un brano che parla della necessità di continuare a creare, anche quando creare non offre risposte definitive.

Salvo Anello nasce a Palermo nel 1990 e costruisce negli anni un percorso nel quale la musica rimane il nucleo centrale, affiancata da cinema, teatro e produzione indipendente. La formazione comincia al Conservatorio di Palermo con lo studio del pianoforte, prosegue con la chitarra e si amplia alla composizione, definendo una sensibilità che unisce scrittura, arrangiamento e ricerca timbrica.

Le prime esperienze discografiche arrivano nella seconda metà degli anni Duemila, con la formazione progressive rock Illusione Sonora e con una serie di lavori autoriali pubblicati tra il 2009 e il 2012 (“L’Identico Canto”, “Nella mente di Matteo il matto”, “Alla corte del Re”). Già in questi progetti emerge una caratteristica che accompagnerà tutta la sua produzione: la tendenza a concepire il disco come opera narrativa, costruita intorno a personaggi, simboli e percorsi interiori.

Dopo un periodo dedicato alla produzione indipendente e alla sperimentazione fra linguaggi diversi, nel 2019 Anello torna alla discografia con “Non per rancore ma per gioco”, pubblicato da Dirty Queen Record. Il disco segna una svolta verso una scrittura più vicina alla canzone d’autore italiana, arricchita da elementi folk, rock e jazz. Alla registrazione partecipano diversi musicisti riuniti nella Salvo Anello’s Mini Orchestra, con interventi di Francesco Moneti dei Modena City Ramblers. Il progetto porta Anello alle finali nazionali della 33ª edizione di Sanremo Rock, una delle tappe pubbliche più rilevanti del suo percorso.

Parallelamente prosegue l’attività live, sia in solo sia con formazioni diverse, fra cui gli Alan’s Breakfast, gruppo palermitano dedicato alla musica dei Pink Floyd, che gli permette di approfondire un lavoro più specifico sulle sonorità, sulla psichedelia e sulle dinamiche di ensemble.

Tra settembre e ottobre 2026 pubblica i singoli “Vita e passione” e “Altra categoria”, quest’ultima title track del quinto album di inediti in uscita il 13 novembre dello stesso anno.

Etichetta: Dirty Queen Records

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Igor Mulas: “Vorrei”

 Il nuovo singolo del cantautore sardo è una canzone autobiografica dedicata agli affetti che accompagnano le scelte più difficili della vita

«Ho scritto “Vorrei” per rivivere in musica un momento importante della mia vita. Lasciare la mia città, la mia famiglia e i miei amici per cercare una nuova strada è stata una scelta difficile, ma necessaria. Questa canzone è il mio modo di abbracciare tutte le persone che hanno reso speciale il mio percorso.» Igor Mulas

Igor Mulas torna con “Vorrei”, una nuova versione realizzata appositamente per le radio di un brano originariamente contenuto nell'album “Tutto è giusto”. Una canzone profondamente personale che affonda le proprie radici in uno dei passaggi più delicati della vita dell'artista.

Il brano nasce infatti dal ricordo di un periodo di incertezza e riflessione. Un problema alla vista costrinse Mulas a interrompere gli studi universitari di Giurisprudenza a Cagliari, aprendo una fase di interrogativi sul proprio futuro. Furono settimane trascorse a riflettere, tra dubbi e decisioni difficili.

“Vorrei” racconta proprio quel momento di passaggio, quando la ricerca della propria strada comporta inevitabilmente rinunce, distanze e separazioni. Al centro della canzone non c'è però la nostalgia, ma il legame profondo con le persone che continuano a vivere dentro di noi anche quando la vita ci porta altrove. Gli affetti diventano così una presenza costante, un punto di riferimento che accompagna ogni nuova esperienza.

La scrittura del brano procede con sincerità e delicatezza, trasformando una vicenda personale in una riflessione universale sul cambiamento e sulla necessità di seguire ciò che sentiamo autenticamente nostro. 

Prodotta da Stefano Di Carlo, questa nuova versione valorizza ulteriormente il carattere emotivo del brano attraverso una veste sonora essenziale ed elegante, capace di accompagnare il racconto senza mai sovrastarlo.

Anche il videoclip ufficiale si sviluppa nella stessa direzione. Attraverso immagini di familiari e amici che si intrecciano in un flusso di ricordi, colori e sorrisi, “Vorrei” diventa un omaggio alle persone che hanno reso più ricco il percorso umano e artistico di Igor Mulas.

Igor Mulas  è un cantautore di origini sarde con un percorso artistico che attraversa l’Italia e l’Inghilterra. A diciotto anni si trasferisce a Londra, dove vive per oltre un decennio, immergendosi nella scena musicale internazionale e studiando canto presso The City Lit, approfondendo generi come pop, rock, soul, jazz, opera e blues.

Durante la sua permanenza nel Regno Unito, inizia a produrre professionalmente le sue canzoni, collaborando con diversi arrangiatori. Le influenze della multi-etnicità londinese e il pop britannico contribuiscono a definire la sua identità artistica. Alla fine del 2000 rientra definitivamente in Italia, stabilendosi a Roma, dove avvia una nuova fase della sua carriera musicale.

Ha partecipato a importanti eventi e concorsi canori, tra cui Sanremo Giovani, Castrocaro e Music Village. La sua discografia comprende tre album da cantautore: “Io sono Igor Mulas” (2009), “Tutto è giusto” (2019) e “A un passo da me” (2021), oltre a un album di cover in inglese, “Starlight” (2021), in cui reinterpreta brani internazionali che ha sempre apprezzato.

Negli ultimi anni ha collaborato con Stefano Di Carlo, sia nella produzione musicale che nella realizzazione di videoclip, pubblicando diversi singoli tra cui “Su Dimmi” (2022), “Non è” (2023), “Geloso Remix” (2023), “Sì” (2024), “Volare” (2024) e “Meno Male” (2025). Il 9 maggio 2025 esce il singolo “Dimmelo tu”, mentre il 10 ottobre dello stesso anno arriva in radio “Lo so”. L’ultimo singolo è “Vorrei”, in radio dal 23 ottobre 2026.

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REVOC , “Tanto Resti Qui”, il nuovo singolo

Un brano pop rock che racconta il momento sospeso tra un addio annunciato e il desiderio di restare ancora insieme

È disponibile “Tanto Resti Qui”, il nuovo singolo dei REVOC, collettivo artistico multidisciplinare no-profit nato nel 2025 e caratterizzato da un approccio indipendente e condiviso alla produzione musicale.

Il nuovo brano si muove su coordinate pop rock e racconta una situazione tanto semplice quanto universale: quel momento in cui una relazione sembra arrivata al punto di rottura, ma il desiderio di restare continua a essere più forte della decisione di andare via.

“Tanto Resti Qui” mette al centro proprio questa contraddizione emotiva. Le chiavi sono già in mano, la giacca è indossata, è tardi e tutto sembra suggerire che sia arrivato il momento di salutarsi. Eppure qualcosa impedisce di compiere l’ultimo passo.

Il brano fotografa così la tensione tra razionalità e sentimento, tra la consapevolezza che sarebbe forse necessario chiudere una storia e quella forza difficilmente spiegabile che continua invece a tenere insieme due persone.
Il racconto passa attraverso immagini quotidiane: la musica alta, i vicini infastiditi, i sorrisi complici e la capacità di riconoscersi reciprocamente anche nelle proprie imperfezioni. Non servono grandi promesse o dichiarazioni solenni: a volte sono proprio i piccoli dettagli condivisi a rendere autentico un legame.
«Questo brano nasce da quel secondo esatto in cui vorresti andare ma sai già che rimarrai. È una fotografia delle piccole contraddizioni che rendono un legame vero, realizzato con la forza di chi crede nella musica fatta di idee prima che di budget», raccontano i REVOC.

Il progetto REVOC nasce nel 2025 con una struttura volutamente aperta: non un singolo artista, ma un collettivo che riunisce di volta in volta voci, musicisti e turnisti differenti, dando vita a produzioni indipendenti fondate sulla collaborazione e sulla condivisione creativa.
Alla base del progetto c’è l’idea che sia possibile realizzare musica, arrangiamenti e produzioni curate anche senza grandi disponibilità economiche, puntando soprattutto sulla forza delle idee, sulla passione e sull’aggregazione artistica.
Il nome stesso, REVOC, è l’anagramma di “cover” e rappresenta simbolicamente la filosofia del collettivo: non limitarsi a replicare, ma provare a inventare, immaginare e costruire qualcosa di nuovo.
Dopo i singoli “Balla Balla Boom Boom Boom” e “Because You Believed”, pubblicati nel 2025, REVOC prosegue il proprio percorso con “Tanto Resti Qui”, un nuovo capitolo pop rock dal forte contenuto emotivo e caratterizzato da un ritornello immediato.

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Apalis: “Giorgio”

Il nuovo singolo estratto dall’album “Dai ciliegi” trasforma una disputa familiare in una satira umana e sociale capace di raccontare le piccole miserie del nostro tempo

“Giorgio” è il nuovo singolo di Apalis, tratto dall'album d'esordio “Dai ciliegi”. Dopo la dimensione allegorica e spirituale della title track, il progetto si sposta su un terreno più terreno e narrativo, raccontando una vicenda apparentemente ordinaria che finisce per assumere un valore universale.

Al centro del brano c'è il conflitto tra due cugini, entrambi benestanti eppure incapaci di trovare una forma di serenità. Tra incomprensioni, rancori accumulati, dispetti e accuse reciproche, la loro rivalità cresce fino a trasformarsi nel ritratto di una piccola guerra domestica. La narrazione procede con toni ironici e grotteschi, osservando da vicino quelle dinamiche che spesso nascono da motivazioni minime ma finiscono per occupare completamente la vita delle persone coinvolte.

“Giorgio” non si limita però al racconto di una vicenda privata. Attraverso il sarcasmo e l'esagerazione, il brano mette a fuoco meccanismi più ampi: l'incapacità di ascoltarsi, il risentimento che si sedimenta nel tempo e che spesso si trasmette tra generazioni diverse, trasformando vecchi dissidi familiari in eredità emotive difficili da sciogliere. A questo si aggiunge quella forma di egoismo che porta a trasformare ogni conflitto in una questione di principio. La quotidianità diventa così lo specchio di una società frammentata, nella quale è sempre più difficile trovare uno spazio di comprensione reciproca.

Sul piano musicale, la canzone si sviluppa come una narrazione in movimento. Il pianoforte e le percussioni costruiscono un andamento incalzante che accompagna l'escalation del racconto, sostenendo una scrittura rapida e vivace. Il risultato è un brano dal forte impatto narrativo, capace di trasformare una lite di vicinato in una satira sociale immediata e sorprendentemente attuale.

All'interno di “Dai ciliegi”, “Giorgio” rappresenta uno dei momenti più ironici dell'opera, ma conserva la stessa attenzione verso la fragilità umana che attraversa l'intero progetto. Dietro il sorriso e la caricatura emergono infatti le contraddizioni, le debolezze e le paure che accomunano tutti.

Come tutto il lavoro di Apalis, anche “Giorgio” nasce lontano dalle logiche dell'esposizione continua e dell'intrattenimento veloce. La canzone si inserisce in un percorso che mette al centro la parola, l'ascolto e la possibilità di osservare la realtà da prospettive inconsuete, affidando alla musica il compito di trasformare una storia particolare in una riflessione più ampia sul presente.

Apalis è un progetto che rifiuta l’iper‑esposizione e la logica dei social per restituire alla musica il suo spazio originario: l’ascolto puro. L’artista sottrae il corpo, evita ogni piattaforma e offre la propria opera esclusivamente su apalis.it, luogo ermetico in cui la fruizione diventa rito e scelta consapevole. La sua ricerca unisce cantautorato colto, spoken word, art pop e minimalismo elettronico, con una vocalità recitativo‑cantata che trasforma la parola in dispositivo narrativo e spirituale. “Dai Ciliegi”, album autoprodotto, è l’esordio del progetto, disponibile per l’ascolto esclusivamente sul sito ufficiale dell’artista.

Sito ufficiale

Dresda: “Il mio amico”

Il nuovo singolo della band milanese racconta ciò che resta dei legami quando la vita costringe a percorrere strade diverse

«È una canzone di cui siamo innamorati e che ci ha fatto penare più di tutte in studio. Forse perché, in fondo, è una dedica ai nostri amici e a noi stessi. Suonarla è sempre emozionante.» Dresda

“Il mio amico” è il nuovo singolo dei Dresda, terzo estratto dall'album “Civili”, in uscita per Musica Distesa il 23 ottobre. 

Se i precedenti singoli affrontavano l'anestesia emotiva del presente e la pressione esercitata dalla cultura della performance, questo nuovo capitolo sposta lo sguardo sulle persone che accompagnano il nostro percorso e sui legami che resistono al tempo.

“Il mio amico” è un mosaico composto da tante vite diverse, attraverso le quali la canzone costruisce un racconto collettivo che parla di amicizia, vicinanza e cura reciproca. Alcune relazioni resistono, altre si trasformano, altre ancora si perdono lungo la strada. “Il mio amico” osserva tutto questo senza cinismo, cercando invece di riconoscere il valore dei legami e dei ricordi che continuano a formarci.

Dal punto di vista sonoro, “Il mio amico” è una ballad dal respiro ampio e cinematografico. La band la definisce uno dei brani più complessi da portare a termine, ma anche uno dei più rappresentativi del disco. L'arrangiamento costruisce un'atmosfera intensa e affettuosa che accompagna il peso emotivo del testo, facendo emergere quella dimensione corale che porta il brano a chiudere sia l'album sia molti dei concerti dei Dresda.

All'interno dell'album, il brano rappresenta uno dei momenti più aperti e concilianti. Dopo la rabbia di “Civili” e le tensioni raccontate in “Maledetto orgoglio”, qui emerge una possibilità diversa: quella del perdono, verso gli altri e verso sé stessi. 

Con l'uscita de “Il mio amico” si completa il percorso di avvicinamento a “Civili”, il primo album della band. Il disco sarà presentato dal vivo sabato 7 novembre al Circolo Arci Bellezza di Milano, in un concerto che porterà sul palco l'intero universo narrativo e sonoro costruito dai Dresda nel corso di questi anni.

Il disco è stato registrato tra Milano e le Marche, prodotto da Giuliano Dottori, mixato da Max Lotti e masterizzato da Giovanni Nebbia.  L’artwork del progetto è realizzato da Stefano Sartori in arte Satiro Sfrenato.

I Dresda nascono a Milano nel 2023 dall’incontro tra Enrico Giorgino e Francesco Parisotto. Il progetto prende forma con l’ingresso di Luca Montecchi durante le registrazioni del primo EP e si completa con Marco Cattaneo, entrato in vista della presentazione live del nuovo album "Civili".

Nel 2024 pubblicano l’EP d’esordio “Dresda”, prodotto da Giuliano Dottori, che li seguirà anche nella realizzazione del primo album “Civili”, in uscita a settembre 2026.

Dal vivo i Dresda hanno portato i brani dell’EP e parte del nuovo album sui palchi della scena milanese, esibendosi in spazi come Detune, Barrios, CIQ – Centro Internazionale di Quartiere e Circolo San Luìs. 

Il primo singolo estratto dal nuovo album è la title track “Civili”, in radio dal 13 marzo 2026, seguito il 5 giugno da “Maledetto orgoglio”. Il 9 ottobre arriva “Il mio amico”, terzo singolo e ultima anticipazione dell’album in uscita il 23 ottobre. Il disco sarà presentato dal vivo sabato 7 novembre al Circolo Arci Bellezza di Milano.

Etichetta: Musica Distesa

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Amennula: “Semu a mari ’mbare”

Il nuovo singolo del duo siciliano affronta il disorientamento del presente con ironia e un invito a non arrendersi

«“Semu a mari ’mbare” potrebbe tradursi con “siamo in alto mare, amico”. In realtà significa qualcosa di diverso: la situazione è tragica, ma non è seria.» Amennula

“Semu a mari ’mbare” è il nuovo singolo del duo Amennula, secondo capitolo del percorso che conduce al disco d’esordio del progetto formato da Daniele Grasso ed Elisa Milazzo. Un brano che nasce dall'osservazione di un presente incerto e spesso frustrante, ma che sceglie di reagire attraverso il linguaggio più naturale della cultura popolare: l'ironia.

La canzone prende spunto da una sensazione diffusa. Il costo della vita che cresce, le difficoltà quotidiane, il lavoro che fatica a garantire stabilità, la burocrazia che rallenta ogni percorso e un contesto internazionale sempre più inquieto alimentano un senso di smarrimento condiviso. Gli Amennula trasformano tutto questo in un'affermazione che può sembrare una resa, ma che in realtà funziona come una formula apotropaica e una chiamata all'azione.

L'espressione “Semu a mari ’mbare”, tipica del parlato siciliano, comunica infatti la consapevolezza di trovarsi in una situazione complicata senza rinunciare alla possibilità di reagire. Un modo di affrontare le difficoltà che appartiene profondamente alla cultura dell'isola, dove anche le espressioni più amare conservano spesso una scintilla di ironia e vitalità.

Musicalmente il brano conferma l'identità degli Amennula, sospesa tra tradizione e contemporaneità. L'apertura si affida alla dimensione dei cuntastori, tra melodia antica e parole del presente. Da lì la canzone si trasforma in una danza irregolare e contagiosa costruita attorno al suono sferragliante del dobro, al tamburo a cornice, a una tuba quasi nascosta nell'arrangiamento e a un coro di amici che amplifica il carattere collettivo del racconto.

Il brano anticipa il disco d’esordio, in uscita in autunno per Dcave Records con edizioni Digital Noises, un lavoro che attraversa folk arcaico, blues delle radici, suggestioni mediorientali e minimalismo elettronico. È un percorso che guarda ai sud del mondo come luoghi di incontro e trasformazione, e che trova nella Sicilia un punto di partenza e di ritorno.

Amennula è il progetto di Daniele Grasso ed Elisa Milazzo, nato dall’incontro tra la montagna e il mare siciliani. La loro musica unisce corde antiche, percussioni, droni, piccoli synth e loop vocali in un suono che è insieme arcaico e contemporaneo. Dentro convivono tracce di tradizione popolare, canti religiosi, blues delle radici e suggestioni mediorientali raccolte lungo le coste dell’isola. Le composizioni oscillano tra trance e ritmo, raccontando le pulsioni profonde dell’essere umano e guardando ai sud geografici e sociali come luoghi di trasformazione.

Elisa porta con sé la ricerca sulla musica popolare siciliana, i canti religiosi dell’isola e un interesse per la musica urban. Daniele arriva da un lungo percorso come musicista, produttore e sound engineer, con un lavoro costante sulla contaminazione mediterranea. Insieme costruiscono un linguaggio che ingloba cialome, root blues, minimalismo elettronico e inflessioni berbere, trasformando la tradizione in una radice viva e contemporanea. 

Gli Amennula hanno completato le registrazioni del loro disco d’esordio, previsto per l’autunno 2026. Il primo singolo è “Tinnairi (loop di sale)”, in radio dall’8 maggio 2026. Sempre a maggio presentano il brano a Eufonica Bologna, ospiti degli appuntamenti organizzati dal MEI – Meeting delle Etichette Indipendenti e partecipano alla celebrazione dei 25 anni di attività di Dcave Records, etichetta che pubblica il progetto. Il 9 ottobre arriva in radio il secondo singolo “Semu a mari ’mbare”.

Etichetta: Dcave Records 

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